Bueno Monreal, Isabel

Zaragoza, 1905 – Zaragoza, 1929

Precoz pintora e ilustradora fallecida de forma prematura. Formada en Zaragoza en la Escuela de Dibujo y Pintura de su padre, Abel Bueno Gros, comenzó a publicar dibujos en prensa y participar en exposiciones siendo una niña. Falleció en 1929, a los veintitrés años.

Isabel Bueno, Autorretrato, c. 1928. Colección Familia Bueno Lidón.

Bueno Monreal, Isabel

Isabel Bueno fue una precoz pintora e ilustradora fallecida de forma prematura. Hija de Abel Bueno Gros, profesor de dibujo de Zaragoza, y Francisca Monreal Oliver, natural de Buñuel (Navarra), fue la segunda de cuatro hermanos, nacida después de José María y seguida por Abel y Manuel. Isabel Bueno se formó en la Academia de Dibujo y Pintura de Abel Bueno, centro privado fundado en Zaragoza en 1896, que contó desde comienzo con una “clase especial para señoritas” a la que siempre aludían sus anuncios en prensa. Recibió alumnas becadas por el Ayuntamiento de la ciudad, celebró exposiciones y concursos para dar a conocer sus obras y pintó con ellas en excursiones al campo, tal y como hacía con sus alumnos masculinos.

Con apenas diez años, Isabel Bueno publicó sus primeros dibujos en la revista Juventud. Entre ellos, Caricatura de la guerra, en el que el trazo marcadamente infantil —puede que exagerado si tenemos en cuenta la formación académica que estaría recibiendo para esas fechas—, le permite subrayar el carácter grotesco del conflicto bélico. Incluyó cuerpos de soldados desmembrados, calaveras, y la inscripción RIP junto al recuadro/losa en que aparece su firma. Infeliz augurio.

En 1919, con catorce años, remitió tres acuarelas y un óleo a la Exposición de Artistas Independientes y Noveles, organizada por la Agrupación Artística Aragonesa en el Ateneo de Zaragoza entre el 24 de octubre y el 9 de noviembre. Anselmo Gascón de Gotor dedicó un artículo en El Noticiero a analizar la labor de las tres pintoras participantes: Joaquina Zamora, Julia Velilla y la propia Bueno. Escribía sobre las obras de esta última: “Acertadas de color todas ellas, destaca la acuarela titulada Cosas morunas, de perfecto dibujo, muy bien de luces y de conjunto”; para aludir a continuación a “los toques del maestro” —en referencia a su padre—, “que son los que dan cuerpo y efecto a las obras de los alumnos”. También Mefisto la calificó en Heraldo de Aragón de “excelente acuarelista”. Destacó Cosas morunas y Café y copa, “por estar hechas en este difícil procedimiento y por ser de mano femenina”; cayendo así en la habitual condescendencia de la crítica con las mujeres artistas.

De nuevo llamó la atención de la crítica con sus envíos a la I Exposición de la Asociación de Artistas Aragoneses celebrada en diciembre de 1921. Especialmente en el caso de Emilio Ostalé Tudela y Manuel Abizanda y Broto, que escribieron en El Noticiero: “Hija del buen artista Abel, es una esperanza en el arte que apenas cuenta quince años y se lanza con bríos por los senderos de la pintura eligiendo el de mayores dificultades; expone dos retratos ejecutados con gran soltura y dominio del color y de la técnica. Las acuarelas de Pierrot y Colombina, son bellas e ingenuas. Tenemos seguridad de que Isael Bueno, en el próximo concurso, presentará una obra definitiva”. También citó Apolo en Heraldo de Aragón las “singulares aptitudes” que mostraba tanto en sus retratos como en las “escenas decorativas de Colombina y Pierrot”, si bien se refería a “el arte de sus aficiones”, lo que, al no aludir a su temprana edad, establecía una clara diferencia con el resto de participantes, considerados profesionales.

Algunos años después, ya cumplidos los 21 años, pudo intuir lo que suponía vivir de su profesión cuando, de acuerdo con un artículo aparecido en Heraldo de Aragón bajo la firma de M., se convirtió en la triunfadora económica al vender casi todas las obras que envió al I Salón de Humoristas Aragoneses, celebrado en diciembre de 1926. Presentó, según recogía la crónica, “una cabeza de cabaretista moderna tituladaMorfinómana y cincuenta y dos postales a la acuarela, de gusto oriental o con escenas de típicos apaches”. Su obra, “precisa, terminada, bonita”, delataba “la mano de una mujer”. Pocos días antes, ese mismo diario había publicado una serie de apuntes firmados por Vigaray dedicados a “Los de la Agrupación Artística”. Entre las tres mujeres retratadas,

junto a Pilar Pinto y María Valle, se encontraba Bueno, portando un sombrero y unas gafas que dejan semioculto buena parte del rostro. Según el pie del dibujo, las tres mujeres habían intervenido en el festival celebrado por la Agrupación con motivo de la inauguración del Salón. Los hermanos Valenzuela, ante sus postales, recordaron que no se trataba de obras humorísticas, “pero sí muy decorativas”.

Morfinómana, que fue reproducido en La Voz de Aragón, presenta similitudes con un Autorretrato que ha llegado hasta nosotros. Ambos conectan con los lenguajes decadentes de fin de siglo desde una nueva estética afín a la moda déco. En el segundo, roto en tres partes y luego reconstruido, la autora se retrata en tonalidades azules como una joven moderna, con el cabello cortado al estilo garçon, mirada melancólica en unos ojos color miel e intenso rojo en los labios.

En septiembre de 1928 participó en las pruebas para la obtención de la plaza de pensionado de pintura en el extranjero convocada por la Diputación Provincial de Zaragoza, junto a Miguel Felipe Gil, Buenaventura Luis Orga Marqués, Luis Marín Bosqued e Isabel Vicente Loscos. El jurado, formado por José Pallarés, Joaquín Albareda y José Valenzuela, declaró desierta la plaza.

Pocos meses después, el 11 de abril de 1929, Isabel Bueno fallecía en Zaragoza a la edad de veintitrés años. “Perdida para la vida y el arte en un momento de enajenación”, escribió Oliván Baile en 1988. Previamente, y como en ediciones anteriores, había prometido enviar alguno de sus trabajos como premio del torneo de ajedrez organizado por la Agrupación Artística Aragonesa de ese año. Su padre cumplió ese deseo entregando dos postales de su mano. La entidad no pudo menos que rendirle homenaje depositando un ramo de flores en la tumba “de su artista predilecta”.

MAE, Alberto Castán, febrero 2023

Mi gato: apunte del natural. Pastel. Colección particular.

Caricatura de la guerra, 1915. Paradero desconocido.

Diana cazadora, 1919. Acuarela sobre papel. Colección particular.

Cosas morunas, c. 1919. Acuarela. Paradero desconocido.

Café y copa, c. 1919. Acuarela. Paradero desconocido.

Retrato de su hermano José María, 1921. Óleo sobre tela. 56 x 62 cm. Colección particular.

El cabaret fantástico (Carnaval), c. 1924. Acuarela. 29 x 44 cm. Colección particular.

Morfinómana, c. 1926. Acuarela. Paradero desconocido.

Autorretrato, c. 1928. Acuarela sobre papel. 14 x 9 cm. Colección Familia Bueno Lidón.

Las amigas. Dibujo. Colección particular.

Pareja de baturros. Gouache. Colección particular.

Exposición de Artistas Independientes y Noveles, Zaragoza, Ateneo de Zaragoza.
I Exposición de la Asociación de Artistas Aragoneses, Zaragoza, Centro Mercantil.
I Salón de Humoristas Aragoneses, Zaragoza, Agrupación Artística Aragonesa.

CALVO RUATA, I., Patrimonio cultural de la Diputación de Zaragoza, Zaragoza, Diputación de Zaragoza, 1991, p. 234.

CASTÁN CHOCARRO, A., Señas de identidad. Pintura y regionalismo en Aragón (1898-1939), Zaragoza, Institución Fernando el Católico, 2016, p. 113.

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ALBAREDA HERMANOS, “De Arte. El Primer Salón de Humoristas Aragoneses”, El Noticiero, Zaragoza, 18-12-1926, p. 3

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“Del Primer Salón de Humoristas Aragoneses”, La Voz de Aragón, Zaragoza, 12-12-1926, p. 9.

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Juventud, n.º 94, Zaragoza, 10-2-1916.

Autorretrato

Morfinómana

Toudouze, Anaïs

(Adèle Anaïs Colin Toudouze)

1822-1899

La artista francesa fue una de las más prolíficas y respetadas ilustradoras de moda de su tiempo. Representó visualmente en más de 35 publicaciones periódicas diferentes las características de la indumentaria del momento y sus composiciones se difundieron de tal manera que llegaron a utilizarse más allá de Francia. Además, su trayectoria artística va estrechamente ligada con el avance de las más novedosas técnicas del grabado que se desarrollaron a mediados del siglo XIX, destacando el grabado a color.

Adèle Anaïs Colin Toudouze, por Paul Marcellin Berthier. Colección Palais Galliera – Musée de la Mode de la Ville de Paris (París)

Anaïs Toudouze

La mayoría de las fuentes apuntan que Adèle Anaïs Colin nació en París el 22 de marzo de 1822. Sin embargo, otras apuntan que pudo nacer en Ucrania circunstancialmente y que poco después la familia volviera a su lugar de origen: París. Fue la segunda hija de las cuatro que tuvo el pintor y litógrafo Alexandre-Marie Colin (1798-1875). Todas ellas fueron artistas, pero con quién Anaïs colaboró más estrechamente en diversos proyectos de ilustración de moda fue con la mayor: Héloïse (1819–1873). Ambas compartieron numerosos encargos y por ello desarrollaron un estilo artístico muy similar, en ocasiones apenas diferenciable.

Los Colin pertecenía a un linaje con gran tradición artística: además de tener padre y madre artistas, su tío paterno era escultor y su tía miniaturista. También se pueden trazar antecesores como Jean-Baptiste Greuze en su familia. Así pues, las hermanas Colin no necesitaron aprender el oficio del arte en una academia, sino que fueron instruidas en el propio seno familiar.

La figura de su padre como profesor fue fundamental. No solo en su formación académica, sino también en la transmisión de su influencia del movimiento romántico por vía directa de sus protagonistas: Delacroix, Géricault, Gavarni, Gautier, de Musset o Devéria frecuentaron el taller de Alexandre-Marie Colin llamado Pére Colin, ya que era considerado uno de los centros de la actividad artística de París. A pesar de este ambiente tan favorable, ninguna de las hermanas, ni siquiera Anaïs, cultivaron de forma recurrente los géneros de mayor consideración en la jerarquía artística: ni el histórico, ni el religioso, más allá de alguna tímida y furtiva incursión en los mismos; sino que casi se dedicaron en exclusiva a la ilustración de moda y al retrato. Eso se debe a que no recibieron la misma enseñanza académica que sus colegas varones en aquella época. Igualmente, a todas ellas se les permitió crear, exponer y vender obras y dibujos.

Las cuatro hermanas Colin participaron y ganaron reconocimientos en los Salones de París en su adolescencia cuando tenían entre los 14 y 20 años. Además, conquistaron el favor de la crítica, en especial Héloïse y Anaïs, cuyas composiciones fueron aplaudidas en el Album del Salon de 1842 por “su notable calidad, su distinción y su gracia”, aunque se les requería una “mayor luz y veracidad en el color de sus dibujos”.

Anaïs Colin-Toudouze se introdujo desde bien joven en el sector de la ilustración de la moda. Una industria floreciente entre 1830 y 1870 que precisaba de artistas que ilustraran las cada vez más numerosas revistas de moda. Trabajó durante 35 años para varias publicaciones francesas como Monde élegant de 1850, Magasin des demoiselles, Modes de Paris de 1857, La mode illustrée, Monsieur de la toilette.

Durante todo ese tiempo, vivió el desarrollo de las técnicas del grabado en la comercialización y difusión de estas publicaciones. Sus primeros diseños para el Magasin des demoiselles que datan de 1844, solían ser tallados por L. Wolff o P. Preval y, a partir de 1846, por Isnard Desjardines mediante el procedimiento que él mismo inventó: el grabado cromotipográfico, que permitía imprimir estampas a color y con mucha mayor precisión. Cuando las ilustraciones de moda se convirtieron cada vez más populares, las últimas técnicas del grabado permitieron que las composiciones de Toudouze fueran producidas en masa y seguir el ritmo semanal de publicación de la mayoría de estas revistas.

Esta difusión, casi “explosiva” de sus diseños, le dio la oportunidad de ilustrar también para medios extranjeros, como los periódicos de moda británicos La Belle Assemblee, The Queen o English woman’s Domestic Magazine. Era una práctica común que revistas extranjeras de moda realizaran acuerdos con publicaciones francesas para comprar los derechos de reproducción de ilustraciones de moda procedentes de París –que solían ser de mayor calidad que en otros países y recogían las últimas novedades y tendencias–. Otras editoriales copiaron directamente los dibujos sin entrar en contacto con ellas.

Además, ilustró libros como Le Maitre à danser (1844) en el que incluyó más de doce dibujos de hombres y mujeres bailando polcas, valses, mazurcas… En ellos solía describir escenas de ocio, románticas o históricas.

La indumentaria tradicional de otros países era también un tema natural para un ilustrador de moda: Les Filles de l’empire céleste (1850) fue una serie de dibujos que mostraban los encantos de los vestidos exóticos del Este y de otros lugares como España, Suiza o Italia, sin buscar una corrección histórica sino con la voluntad de plasmar el mero entusiasmo romántico del pasado que tanto peso tuvo en la formación con su padre.

En 1845 Anaïs Colin casó con el arquitecto y aguafortista Gabriel Toudouze (1811-1854), pasando a partir de entonces a firmar como Anaïs Colin Toudouze o, más frecuentemente, Anaïs Toudouze. La prematura muerte de su marido 9 años después obligó a la ilustradora a mantener económicamente a su familia de 3 hijos pequeños, de ahí su prolífica carrera artística. Los tres siguieron el camino del arte inculcado por su madre, tanto a través de la literatura, como de la propia pintura. Cabría destacar a la menor de las hijas: Isabelle Toudouze Desgrange (1850-1907), quien también fue una prolífica ilustradora de moda.

Anaïs acabó teniendo una carrera ligeramente más existosa que su hermana Héloïse, en buena medida debido a que esta última vivió menos años y, por ende, no tuvo la oportunidad de desarrollar una trayectoria más dilatada en el tiempo.

Anaïs muere en París el 15 de agosto de 1899. A pesar de que tanto ella como su hermana consiguieran triunfar en su sector y poder ganarse la vida con ello, el propio sistema social patriarcal revela a qué nichos eran empujadas las mujeres que querían dedicarse al arte: dibujo, ilustración moda…, mientras que los hombres, como el padre o los hijos de Anaïs, podían desarrollar su arte cultivando los grandes géneros.

Actualmente, las ilustraciones de Anaïs Colin Toudouze se encuentran en las colecciones de los museos más importantes del mundo: Museo Metropolitano de Nueva York, Museo Nacional del Prado en Madrid, Museo Británico en Londres, Rijksmuseum de Amsterdam, Museo de Bellas Artes de Houston o en Musée de la Mode de la Ville (Palais Galliera) de Paris.

MAE, Inés Serrano Arnal, 2023

1842. Salón de Paris de 1842, París.

1846. Salón de Paris de 1846, París.

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Brime, Gloria (Gloria López Fabregat Brime)

Brime, Gloria

(Gloria López Fabregat Brime)

Madrid, ¿? – Madrid 1962

Gloria Brime, al igual que su hermana Amparo, fue ilustradora, figurinista teatral y periodista de principios del siglo XX. Ambas fueron pioneras en el ámbito del diseño dando a conocer a la sociedad española las novedades del mundo de la moda procedentes de París. No sólo divulgaron la nueva figura de la mujer moderna a través de sus ilustraciones, sino que también ellas mismas representaban este nuevo paradigma, estando comprometidas con iniciativas progresistas y feministas de su ciudad, Madrid.

Fotografía de prensa de Gloria Brime, 1922

Gloria Brime

Amparo y Gloria López Fábregat Brime nacieron en 1924 y 1927 respectivamente en una familia burguesa de Madrid. Su padre, Salustiano López Brime, de quién finalmente tomaron el apellido en las firmas de sus ilustraciones, fue un agente de bolsa que en 1898 se quitó la vida tras unas acciones irregulares que le dejaron arruinado. Esta desgracia provocó que sus hijas fueras educadas para poder sustentarse económicamente por sí mismas. Además, tuvieron que sobreponerse al estigma que socialmente suponía el suicidio de su padre, razón que podría explicar los continuos cambios de firma de Amparo: desde L. Brime, López, López Fábregat, López Brime hasta que finalmente, tanto ella como Gloria, optaron por firmar sencillamente con “Brime” o “Brimé”.

Las dos desarrollaron una trayectoria muy similar como ilustradoras, diseñadoras y periodistas, y en diversos periodos trabajaron juntas en los mismos medios.

Amparo comenzó muy joven a publicar ilustraciones de la mano de la editorial Viuda de Rodríguez Serra. En ella se editaban publicaciones muy modernas, tanto españolas como extranjeras, además de ensayos de filosofía y ciencias sociales. Desde estos inicios, Amparo Brime se insertó en los círculos de ideología más progresista de la capital. Los libros que ilustró fueron Pasos y cuentos cómicos de José Zahonero (1905), Tirano de amor de Rafael Leyda (1906), Agua mansa de Ángel Guerra (1906) y En el mundo de las mujeres (1906), Conversaciones feministas de Carmen de Burgos (1906) y Como se vive, se muere de José Francos Rodríguez (1907). Más adelante, ilustrará Las Frivolidades de Madame de Lys de Matilde Muñoz (1922).

Más allá de estos primeros pasos, no se conocen aún datos acerca de la formación artística de las hermanas Brime, salvo que frecuentaban el taller de Julio Romero de Torres –según las memorias de Victoria Durán–, y que realizaban continuos viajes a París que, además de servirles para conocer las últimas tendencias de moda y diseño para sus artículos en prensa, debieron suponer un aprendizaje como ilustradoras y figurinistas de teatro.

Además de la publicación editorial de sus ilustraciones, Amparo Brime expuso públicamente sus creaciones en varias ocasiones y parece que fue la que más visibilidad tuvo de las dos hermanas. En 1918 participó en el IV Salón de Humoristas y Artistas Decoradores organizado por la Unión de Dibujantes Españoles (U.D.E.) en el Círculo de Bellas Artes de Madrid con un Tríptico danzante de temática de caricatura para niños. A este certamen vuelve a concurrir en 1923 en su IX edición. En ese mismo año participó en el Concurso Nacional para las Artes Decorativas, en el que recibió un premio de 1000 pesetas por Figurines. Finalmente, en 1926, las hermanas Brime presentaron también unos Figurines de teatro en carteles para la Sección de Artes Decorativas en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid. En 1931, junto a otras compañeras de generación como Piti Bartolozzi, Delhy Tejero o Rosario de Velasco, Amparo participó en el I Salón de Dibujantas de la U.D.E., organizado en el Lyceum Club Femenino de Madrid.

Según el artículo de la revista La Vida Aristocrática: sociedad, arte, deportes, modas de 1922 dedicado a las hermanas Brime, estas se dieron a conocer gracias a la publicación de sus “apuntes a pluma en una revista deportiva, tan ágiles, movidos y atrayentes”. En el caso de Amparo, todo apunta que la composición que le otorgó definitivamente la fama fue Ojos verdes, un dibujo que ilustró la portada de la revista Blanco y Negro en 1918 y que representa el casi caricaturesco rostro de una dama, “más próximo a la imagen de una demi-mondaine que a la distinguida señora que pretende representar” según J. Alix, a lo que se le suma la estola con cabeza de zorro que cubre su cuello, un complemento que ya en esa época representaba connotaciones negativas por su semejanza con trofeos de caza propios de un salvaje.

Este reconocimiento público las llevó a ser contratadas por el departamento de publicidad de la Perfumería Floralia para ilustrar y escribir las páginas sobre moda que la marca publicaba en medios como ABC o Nuevo Mundo y donde Amparo, según su presentación, “no copiaba revistas extranjeras, sino que creaba sus propios modelos libres de cualquier extravagancia.” De esta manera, arrancaron sus carreras como articulistas. Estos trabajos adquirieron también prestigio por la originalidad y finura de sus modelos y las llevó a conseguir que centros de confecciones como las Casas Max y Hugo les solicitaran creaciones para sus marcas.

Pero el campo en el que alcanzaron mayor fama fue en el del diseño de figurines para teatro, recibiendo numerosos encargos del libretista y productor Juan José Cadenas para obras como El Príncipe Carnaval (1920), El Príncipe se casa (1922), o para sus adaptaciones de las operetas como Roma se divierte (1922), Los claveles rojos (1922) o El collar de Afrodita (1925). En la presentación de las hermanas Brime en el periódico La Voz, indican que “nuestras más grandes actrices recurren a las hermanas Brime constantemente, considerándolas como verdaderas maestras en la ciencia difícil de la elegancia femenina”. Muestra de ello es el diseño del vestuario para la intérprete María Guerrero para la ocasión de La dama del Armiño (1922) y para la revista musical Cri-Cri (1923) a cargo de la compañía barcelonesa del Principal Palace para el teatro Reina Victoria de Madrid.

Su especialización en el campo de la moda y en los figurines teatrales determinó las características del estilo de su dibujo: elegante y muy cercano al art déco. Sus textos y dibujos inauguraron la sección de moda femenina del periódico La Voz de Madrid en 1922, columna que se mantuvo hasta 1933. Varias veces por semana las hermanas se alternaron para publicar una crónica ilustrada en la segunda plana del periódico. También publicaron en las revistas La Esfera (en la Sección “Elegancias”), Cartel, Esto o en El Pueblo Manchego. A partir de 1935 Amparo comenzó a redactar las páginas de la Sección de decoración del hogar de ABC.

La reputación de las hermanas Brime las llevó a ser reconocidas incluso más allá de sus fronteras. Sus viajes a París, Londres o Viena eran recurrentes para informarse de las últimas tendencias de las que informarían en los medios nacionales. Esa posición le permitió a la mayor de las Brime colaborar en 1929 en la revista francesa Art, Goût, Beauté.

Como dejan entrever sus proyectos y amistades, las hermanas Brime estuvieron vinculadas a los círculos más progresistas y feministas desde jóvenes, apoyando públicamente numerosas iniciativas en favor de los derechos de la mujer: fueron dos de las primeras quince mujeres en ingresar como socias en la Asociación de Prensa de Madrid, participaron en la fundación de “El Magerit” Ateneo Femenino en Madrid y pertenecían al Lyceum Club Femenino y al Club Alpino del Guadarrama.

Durante la Guerra Civil y los sucesivos años de posguerra la trayectoria de las Brime se difumina casi hasta el olvido. Tan solo se registra la apertura de una ficha a nombre de Amparo por la Guardia Civil con motivo de haber escrito en el ABC, pero tan solo se trataba de una columna sobre la decoración del hogar. Tampoco se conocen las fechas concretas de su muerte: Amparo seguramente antes del fallecimiento de su madre en 1953 y Gloria probablemente en 1962.

MAE, Inés Serrano Arnal, 2023

1918. IV Salón de Humoristas y artistas Decoradores en el Círculo de Bellas Artes, Madrid.

1923. Concurso Nacional para las Artes Decorativas. Premio de 1000 pesetas por Figurines.

1923. IX Salón de los Humoristas y artistas Decoradores en el Círculo de Bellas Artes, Madrid.

1926. Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid. (Sección de Artes Decorativas)

1931. I Salón de Dibujantas de la Unión de Dibujantes Españoles, organziado en el Lyceum Club Femenino, Madrid.

DOUGHERTY, D., VILCHES DE FRUTOS, M. F., La escena madrileña entre 1918 y 1926: análisis y documentación, Madrid, Editorial Fundamentos, 1990, p. 243.

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Brime, Amparo (Amparo López Fabregat Brime)

Brime, Amparo

(Amparo López Fabregat Brime)

Madrid, h. 1890 – h. 1953

Amparo Brime, al igual que su hermana Gloria, fue ilustradora, figurinista teatral y periodista de principios del siglo XX. Ambas fueron pioneras en el ámbito del diseño dando a conocer a la sociedad española las novedades del mundo de la moda procedentes de París. No sólo divulgaron la nueva figura de la mujer moderna a través de sus ilustraciones, sino que también ellas mismas representaban este nuevo paradigma, estando comprometidas con iniciativas progresistas y feministas de su ciudad, Madrid.

Fotografía de prensa de Amparo Brime, 1922

Amparo Brime