Cassatt, Mary

Cassatt, Mary

Cassatt, Mary

Allegheny, Estados Unidos, 1844 – Le Mesnil-Théribus, Francia, 1926

Pintora de origen estadounidense que desarrolló su andadura artística en Francia, donde se instaló en 1866. A su llegada a París se convirtió en discípula de Edgar Degas, uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XIX europeo. Además, fue en la capital francesa donde su obra comenzó a exhibirse de manera periódica, ya que expuso junto a los impresionistas.

Mujer joven cosiendo, 1900. Óleo sobre lienzo. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Cassatt, Mary

 

Mary Stevenson Cassatt nació el 22 de mayo de 1844 en Allegheny, Estados Unidos. Hija de un enriquecido negociante de Filadelfia, decidió cursar sus estudios en la Pennsylvania Academy. No obstante, su andadura artística se desarrolló en Francia, país donde decidió instalarse en 1866. A su llegada a París se convirtió en discípula de Edgar Degas, uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XIX europeo. Además, fue en la capital francesa donde su obra comenzó a exhibirse de manera periódica, ya que expuso junto a los impresionistas en diferentes ocasiones. Un grupo de pintores que encarnaban la modernidad y la vanguardia plástica.

Si los varones inmortalizaban mayoritariamente escenas pertenecientes al ocio parisino, Mary Cassatt derivó su atención hacia el espacio privado. En la época victoriana se consolidó el ideal burgués de la feminidad y la mujer debía ser modesta, recatada y recluida en una atmósfera apacible en su entorno familiar. Un “ángel del hogar” que debía ocuparse de las tareas domésticas y del cuidado de los hijos. Estas esferas separadas fueron plasmadas por artistas como Mary Cassatt o Berthe Morisot, demostrando en forma de imagen el vínculo maternal en sus obras pictóricas.

La temática de la maternidad es un buen ejemplo de estos espacios privados. A través de un estilo impresionista adoptado a su llegada a París, ejecutó pinturas con una pincelada suelta y enérgica donde las madres aparecen junto a sus hijos o hijas, en respuesta al imaginario colectivo de la época. Entre estas pinturas pueden citarse Madre e hijo, Madre e hija, o El baño, esta última de clara influencia de la estampa japonesa por su formato vertical y el uso de una perspectiva elevada. Albergadas en The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Cassatt subraya la unión madre-hijo/a evocando a la tipología clásica de la Madonna con el Niño. Una especie de ángel custodio donde recursos como el espejo actúan como halo en la cabeza de los representados y evocan un aroma de protección maternal-espiritual.

No solo la maternidad se convirtió en objeto de estudio para Cassatt, pues acudió a tareas propias del hogar como el cosido de prendas, siendo ejemplo Madre joven cosiendo, donde la mujer aparece practicando una labor doméstica que se remonta a mitos, leyendas y novelas homéricas a través de la figura de Penélope, quien permaneció en su hogar cosiendo mientras esperaba el retorno de Ulises. Asimismo, Mary Cassatt también inmortalizó a aquellas mujeres pertenecientes a las clases altas protagonizando escenas cotidianas como tomar el té, como evidencian las pinturas Copa de té, Dama en la mesa del té o El té. Obras donde su propia hermana, Lydia Cassatt, posó de modelo en diversas ocasiones. Mary Cassatt también dedicó obras al espacio público, como la ópera de París mediante obras como En el palco, de 1878.

La pintora estadounidense ejecutó sus obras en óleo, pero también sintió gran admiración por la estampa japonesa y fruto de ese interés se manifiesta en su producción litográfica, realizando grabados como La carta. Una serie de estampas que pertenece a su producción de grabados y que fue exhibida por primera vez en una exposición independiente en la famosa galería de Paul Durand-Ruel en 1891. Debido a su condición de discípula de Edgar Degas, además, también ejecutó un buen número de pinturas mediante el pastel en sus últimos trabajos.

Mary Cassatt se convirtió en la mejor embajadora del Impresionismo en Estados Unidos y coleccionistas como los Palmer, los Ryerson o los Havemeyer adquirieron parte de su producción. Sus dotes como pintora se extienden a la pintura de bodegón, ampliando de este modo su abanico de posibilidades pictóricas. Mary Cassatt falleció el 14 de junio de 1926 en Le Mesnil-Théribus, una comuna francesa al norte de París.

 

MAE, Javier Martínez Fernández, mayo 2021

BAYLE, Françoise. Comprendre la peinture au museée d’Orsay. París, Musée d’Orsay, 2019.

MAYAYO, Patricia. Historias de mujeres, historias del arte (4ª ed.). Madrid, Ediciones Cátedra, 2011.

JANSON, Horst W y ROSENBLUM, Robert. El arte del siglo XIX. Madrid, Akal, 1992.

 

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Benoit, Marguerite Marie

Benoit, Marguerite Marie

Benoit, Marguerite Marie

 

Les Grands Maulins, Francia, último tercio s. XIX, primer cuarto s. XX

Pintora. Estudió junto a Madame Letruffe-Colomb, Madame Gabrielle Debillemont-Chardon y Madame Berthe Jouvin. Su obra pudo verse expuesta en la Societé des Artistes Français a inicios del siglo XX, en 1905.

Mujer joven en un río. Museo del Prado, Madrid

Benoit, Marguerite Marie

 

Marguerite Marie Benoit fue una artista francesa que nació en el siglo XIX y falleció en el siglo XX. Estudió junto a Madame Letruffe-Colomb, Madame Gabrielle Debillemont-Chardon y Madame Berthe Jouvin. Su obra pudo verse expuesta en la Societé des Artistes Français a inicios del siglo XX, en 1905.

Benoit se dedicó a las artes plásticas, tocando géneros como el retrato. Parte de su formación vino de la escuela fundada y dirigida por Gabrielle Debillemont-Chardon (1860-1957), escuela donde se trabajaba la miniatura.

El Museo Nacional del Prado cuenta con una obra suya titulada Mujer joven en un río, realizada en el último cuarto del siglo XIX. Una pintura que refleja el retrato de una mujer, momento en que la retratística estaba compitiendo con la llegada de la fotografía y que perdió cierta relevancia en las artes plásticas.

 

MAE, Javier Martínez Fernández, mayo 2021

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Clomesnil, Florensa de

Clomesnil, Florensa de

Clomesnil, Florensa de

 

Francia, doc. 1845-1850

Florensa de Clomesnil fue una pintora, dibujante y grabadora francesa. Activa en París a mitad del siglo XIX.

Anuncio de moda de París, 1847. Museo del Prado, Madrid

Clomesnil, Florensa de

 

Florensa de Clomesnil fue una pintora, dibujante y grabadora francesa. Activa en París a mitad del siglo XIX, entre 1847 y 1850, firmó algunas estampas de la revista Petit Courrier des Dames (también llamada Petit courrier des dames ou Nouveau journal des modes, des théâtres), Journal des Modes, publicada tanto en París como en Londres entre 1822 y 1868. Tenían una periodicidad de 5 días y en ellas se publicaba una o dos estampas de moda de alta costura, tituladas Modes de Paris. Su firma aparece reflejada, asimismo, en las ilustraciones de moda de las revistas Le Journal des Demoiselles y Le Bon Ton.

Florensa ilustró revistas y anuncios publicitarios de moda parisina, de cuyos ejemplares el Museo Nacional del Prado conserva. Se trata de litografías realizadas con pluma sobre papel avitelado procedentes de la colección particular de la familia Madrazo y que llegaron a la institución en 2006. Las láminas aparecen firmadas como Mme Florensa de Clomesnil. Tituladas ambas como Anuncio de moda de París y realizadas en 1847, estos aguafuertes no se exhiben en las paredes del museo. En ambas estampas aparecen dos mujeres ataviadas por una indumentaria a la moda: sombrero de Penet, encaje de Violard, pasamanería de Richenet Bayard, paraguas de Verdier y guantes de Mayer.

MAE, Javier Martínez Fernández, mayo 2021

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Figuera Martínez y Güertero, Concepción

Figuera Martínez y Güertero, Concepción

Figuera Martínez y Güertero, Concepción (Luis Lármig)

 

Madrid, ca. 1860 – 1926


Pintora, participó en las exposiciones nacionales de Bellas Artes de 1884 y 1908. Era hija del madrileño Fermín Figuera y Sánchez Toscano y de María de la Concepción Martínez y Güertero, hermana del político, periodista y poeta Luis Martínez Güertero.

Estudio del natural, 1887. Museo del Prado, Madrid 

Figuera Martínez y Güertero, Concepción

 

Autoras como Parker y Pollock han tratado en sus escritos cómo las mujeres artistas han formado parte de la otredad historiográfica; una concepción negativa sobre la que se sustenta el privilegio masculino. Concepción Figuera Martínez y Güertero forma parte de este amplio número de mujeres cuyos trabajos se insertan en los márgenes de la Historia del Arte, motivando que sus biografías sean desconocidas y sus trabajos invisibles.

De Figuera Martínez y Güertero se conoce poca información y escasa obra. Nació en torno al año 1860 en Madrid y procedía de un matrimonio ligado a la nobleza. Era hija del madrileño Fermín Figuera y Sánchez Toscano y de María de la Concepción Martínez y Güertero, hermana del político, periodista y poeta Luis Martínez Güertero. Concepción Figuera aprendió piano e, incluso, ofreció conciertos de carácter privado en contextos reservados a la alta sociedad madrileña, como la fiesta celebrada en 1867 en la casa de la familia Villaurrutia. Sus dotes pictóricas las aprendió en la Academia de Bellas Artes, donde fue discípula del pintor y acuarelista Alejandro Ferrant y Fischermans y de Francisco Sans Cabot, quien ejerció como director del Museo Nacional del Prado entre 1873 y 1881. Además, fue discípula del pintor Alejo Vera y Estaca, representante de la pintura naturalista, romántica e histórica en el panorama español.

Un detalle a tener en cuenta fue el empleo del pseudónimo Luis Lármig para firmar sus obras, utilizado por su tío mencionado anteriormente, Luis Martínez Güertero. Concepción Figuera aparece registrada entre las copistas autorizadas del Museo Nacional del Prado y participó en las exposiciones nacionales. Un buen ejemplo es su participación en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1878 con la obra Una señora leyendo en su gabinete. También participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1887 con un Estudio del natural, pintura que pertenece a la colección del Museo Nacional del Prado y que le valió la tercera medalla y la adquisición por parte del Estado. Un óleo alabado por la prensa -la cual desconocía la verdadera autoría, ya que fue identificada por Fernando Alcolea en 2013- por los elevados conocimientos que revelaba de la escuela española del Siglo de Oro. Una imagen de corte teatral en la que aparece representada una mujer contemplando a través de un cortinaje.

En 1880 realizó una ofrenda a la infanta Isabel de un abanico pintado con motivo de su onomástica. También participó en otras salas expositivas, como la Hernández de Madrid, donde expuso en 1881 dos platos pintados. En 1884 formó parte de la Exposición Literario-Artística de Madrid con Zoraya y En el jardín. Ese mismo año expuso en la Exposición Nacional con Retrato de la infanta doña Eulalia, Una mora y Retrato de la marquesa de Nájera.

En 1896 colabora en la Exposición de Pintura Española de Estocolmo con la pintura Un estudiante, adquirido por un coleccionista por 1.000 pesetas, y en 1897 de nuevo en la Exposición Nacional de Bellas Artes, en la que expuso los cuadros Meditación, Mater Dolorosa y Retrato del R. Padre Lerchundi, adquirido este último por la reina de España y obteniendo en la mención honorífica. Un año después, en 1898, intervino con dos cuadros en la exposición de arte español que tuvo lugar en la Academia de Bellas Artes de México. Tras un retiro temporal en Tánger antes de la llegada del nuevo siglo, volvió a exponer en España en 1905 con un retrato titulado La princesa de Asturias, encargado por la infanta Isabel con el objetivo de ser destinado al hotel de la calle Quintana. Su faceta retratística continuó durante el siglo XX, realizando retratos como Laura Pardo, Manuel de Villena y Manuel Lozano.

Un corpus pictórico numeroso que evidencia su fiel compromiso a las artes plásticas. Además, Concepción Figuera ejerció como presidenta de la Protección al Trabajo de la Mujer y del Instituto de Cultura Femenina, extendiendo su compromiso a cuestiones de carácter social. El 14 de julio de 1926 falleció en su ciudad natal, dejando un legado de gran importancia histórico-artística que ha debido reescribirse debido a su interés por ocultar la verdadera identidad en sus obras con el fin de desviar la valoración y los prejuicios por parte de la crítica por su condición femenina.

 

MAE, Javier Martínez Fernández, mayo 2021.

Retrato de S. A. R. la Serma. Sra. Infanta Doña Eulalia. 1884. Pintura (145 x 83 cm). Paradero desconocido.

Retrato de la marquesa de N. 1884. Pintura (64 x 49 cm). Paradero desconocido.

Mora. 1884. Pintura (123 x 77 cm). Paradero desconocido.

Retrato del Excelentísimo Sr. Conde de V. M. 1908. Pintura (76 x 60 cm). Paradero desconocido.

Cabeza de estudio. 1908. Pintura (54 x 34 cm). Paradero desconocido.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, 1884.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, 1908.

Catálogo de la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1884, p. 47.

Catálogo de la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1908, p. 22.

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Liénard, Sophie

Liénard, Sophie

Liénard, Sophie

 

Francia, 1809-1878

 

Pintora, se consolidó en el mundo de la miniatura, técnica en boga en la Alemania y la Francia de la época, por lo que desde España también se solicitó su habilidad para la realización de miniaturas de la reina María Cristina de Borbón, la reina Isabel II y de otros aristócratas.

 

María del Carmen Lucía de Acuña y Dewitte, duquesa de Bivona, h. 1840. Museo del Prado, Madrid

Liénard, Sophie

 

Sophie Liénard nació en el seno de una familia acomodada en Francia en 1809. Como era habitual, su posición social y su condición de mujer propiciaron que recibiera una formación artística como labor propia de su género. Además, su padre era el también pintor y miniaturista reconocido Jean Auguste Eduard Liénard (177-1848), discípulo de Jean-Baptiste Isabey y Jean-Baptiste Regnault. Vivió en el número 41 de la calle Meslay de París. Trabajó inicialmente en el taller de pintura sobre porcelana de Rihouet, en la calle de la Paix y posteriormente se trasladó a la manufactura de Sèvres. En 1842, expuso en el Salón de París una copia de La Virgen de las uvas de Pierre Mignard y, en 1845, dos retratos masculinos.

Realizó numerosos retratos de personajes ilustres como la reina Victoria de Inglaterra, el presidente George Washington, el emperador Napoleón III Bonaparte o distintos retratos de la familia de Orleans durante la Monarquía de Julio (1830-1948), estos últimos basados en los retratos de tamaño natural realizados por Franz Xaver Winterhalter para las galerías históricas del Museo de la Historia de Francia en el Palacio de Versalles. Algunos de los retratos en miniatura que se pueden destacar de esta serie son el del rey Luis Felipe I de Francia, la reina María Amalia, Elena de Mecklemburgo-Schwerin, duquesa de Orleans, el príncipe Ferdinando-Felipe de Orleans, duque de Orleans, y los hijos de los duques de Orleans: Felipe de Orleans, conde de París, y Roberto de Orleans, duque de Chartres. Sophie Liénard se consolidó en el mundo de la miniatura, técnica en boga en la Alemania y la Francia de la época, por lo que desde España también se solicitó su habilidad para la realización de miniaturas de la reina María Cristina de Borbón, la reina Isabel II y de otros aristócratas y figuras de la alta sociedad española. Muchas de sus miniaturas se encuentran en distintas colecciones españolas, entre las que cabe destacar la del Museo Nacional del Prado. En este museo se conservan sus retratos de María Tomasa Álvarez de Toledo y Palafox (ca. 1835), María del Carmen Lucía de Acuña y Dewitte, duquesa de Bivona (ca. 1840) y un retrato masculino (ca. 1840).

 

MAE, Clara Solbes Borja, actualizada 2024. DOI: 10.26754/mae1803_1945

Salón de París, 1842

Salón de París, 1845

Espinosa, Carmen. Las miniaturas del Museo Nacional del Prado: catálogo razonado. Madrid, Museo Nacional del Prado, 2011.

G. Navarro, Carlos. Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931). Madrid, Museo Nacional del Prado, 2020.

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