Anglada, Lola

Anglada, Lola (Dolors Anglada i Sarriera)

Barcelona, 1892 – Tiana, Barcelona, 1984

Ilustradora, escritora, pintora y polifacética creadora, Lola Anglada debe ser considerada la pionera de la ilustración de autoría femenina en España. Especialmente relevantes son sus trabajos vinculados con el ámbito infantil. Mujer de fuerte personalidad y pensamiento catalanista, optó vivir para el arte de forma autónoma, al margen de imposiciones sociales.

Anglada, Lola

Lola Anglada nació en Barcelona, perteneciente a una familia acomodada, y recibió una educación tradicional y femenina. Su salud enfermiza le mantuvo largas temporadas en la casa de veraneo familiar, en Tiana, en la región del Maresme, donde se embriagó de la belleza natural del paisaje mediterráneo. Con tan solo tres años se dedicaba a dibujar todo a su alrededor, una afición que en su entorno familiar era considerada simplemente eso: un pasatiempo o habilidad favorecedor en una mujer de buena sociedad.

Pero la aptitud de Lola y su obstinación por adquirir conocimientos artísticos hicieron que le permitieran matricularse en la Escuela de la Lonja. Ingresó después en la Escuela de Arte de Francesc Galí, aunque este renunció a enseñarle por no querer privar a la joven de su espontaneidad, y Lola Anglada pasó a formarse en el taller de Antonio Utrillo primero, y en el de Joan Llaverias después.

Sería precisamente Llaverias quien intermediara para que Lola publicara sus primera ilustraciones en prensa en 1910, en la revista Cu-Cut!. Desde entonces sus trabajos, a menudo vinculados con el mundo de la infancia ‒no en vano ella misma afirmaba que su infancia inspiraba su obra‒, fueron apareciendo en diversas cabeceras: La Dona Catalana, Feminal, D’Ací i D’Allà, En Patufet… hasta ser ella misma la propietaria y creadora de una revista destinada al público femenino: La Nuri, proyecto que emprendió en 1925 y que alumbró diecisiete números.

Para entonces Lola Anglada ya se había ganado su reputación como ilustradora de cuentos infantiles. Sus primeros trabajos aparecieron en la editorial Muntañola, y realizó algunas adaptaciones de cuentos populares entre 1917 y 1919. Ya en la década de los años 20 ilustró algunos clásicos como Alicia en el país de las maravillas (1927), del que se han lanzado numerosas reediciones. De esos años datan sus primeros cuentos de producción propia en los que ella firma letra e imagen, tal es el caso de En Peret o Margarida, entre otros, ambos de 1929.

Su inquietud y su interés hacia el ámbito del libro y la creación le llevaron a París en 1921 donde, acompañada al principio por su madre, logró permanecer una temporada, motivada por alimentar su inteligencia artística y decidida a presentar sus dibujos en editoriales parisinas. En París, además de lograr su propósito de trabajar para algunas editoriales, Lola entró en contacto con artistas como José Clarà y Julio González. Frecuentaba además la compañía de un grupo de creadores que se mantuvieron aferrados a la figuración y que incluso rechazaban el movimiento moderno. En el terreno plástico, la propia Lola Anglada era partidaria de una estética tradicional fuertemente emparentada con los postulados del Noucentisme catalán, no solo en su aspecto formal sino también en lo conceptual. De hecho, en su estancia parisina coincidió con Francesc Macià y puede decirse que su catalanismo se activó (Moreno y Lara, 2004, 159).

La militancia catalanista de Lola le llevó a ingresar en 1932 en la directiva de Unió Catalanista como secretaria de Acción Cultural y Social. Durante los años de la II República el movimiento nacionalista catalán vivió momentos de fervor, la propia Lola describe en sus memorias el ambiente alegre y optimista que se vivía en Cataluña después de haberse proclamado la República (Anglada, 2015, 243). En esos años, sus creaciones ilustraron la publicación independentista Nosaltres Sols!

Durante la guerra, Lola Anglada continuó su trabajo colaborando en prensa. Sus dibujos aparecieron en dos semanarios infantiles, Mirbal y Estel. Célebre es su libro El mes petit de tots, publicación en tres idiomas que editó el Comissariat de Propaganda de la Generalitat, dirigido por Jaume Miravitlles, con el objetivo de ganarse las simpatías internacionales para la República. La artista recreó con su inconfundible estilo amable al pequeño miliciano ideado por el escultor Miquel Paredes, y lo convirtió en un héroe que encarnaba el ideal de libertad y propugnaba la paz.

Los años que siguieron a la contienda fueron un periodo difícil para Anglada. Por su vinculación con la República y el catalanismo fue tachada de “rojo-separatista” y tuvo grandes dificultades para trabajar. Debió mantenerse recluida en Barcelona hasta que se retiró definitivamente a la casa familiar de Tiana, donde vivió una suerte de exilio interior, en compañía de sus hermanas. Ella proyecta en sus memorias un amargo sentimiento de cautividad que paliaba a través de la creación: pinturas al óleo y al temple, dibujos, cerámicas…

Por fin a mediados de los años 40 colabora con Francesc Curet ilustrando varios de sus libros, todos ambientados en el pasado. Lola Anglada se refugia en la idea de tiempos pretéritos y más amables, al tiempo que sufre y lamenta la represión de su amada Cataluña. En los años que siguieron, siempre desde su aislamiento en Tiana, organizaba tertulias en su casa y retomó la creación de sus propios cuentos, Martinet apareció en 1962.

En los últimos años de su vida, que decidió vivir en soltería, siguió trabajando, dibujando, escribiendo sus memorias y viviendo de la manera en que ella misma quiso, como una mujer autónoma, entregada a su arte. Afortunadamente, a Lola Anglada ya le ha llegado su merecido reconocimiento como la gran ilustradora que fue, aunque todavía hoy su trabajo como pintora es poco conocido.

MAE, Inés Escudero, abril 2021.

Lola Anglada Sarriera, Barcelona, Faianç Català. 1916.

Lola Anglada, Barcelona, Salón de La Publicitat. 1917.

Lola Anglada-Sarriera, Barcelona, Galeries Dalmau. 1925.

Lola Anglada i Sarriera, Barcelona, Galeries Maragall. 1930.

Trenta dibuixos de Lola Anglada i Sarriera, Barcelona, Sala Renart. 1936.

La Barcelona dels nostres avis, Barcelona. 1948.

Lola Anglada, Barcelona, Sala Rovira. 1964.

Lola Anglada, Barcelona, Sala de El Tinell. 1973.

Exposición de dibujos de guerra de Lola Anglada, Barcelona, Sala d’Art Provincial Santiago Rusiñol. 1977.

Exposició homenatge de Catalunya a Lola Anglada, exposición itinerante por varias sedes de Cataluña. 1978-1980.

La Guerra Civil vista por Lola Anglada, Barcelona, Ateneu Barcelonès. 1986.

Lola Anglada i l’ideal del llibre, Barcelona, Diputació de Barcelona. 2005.

Presentes. Autoras de Tebeo de ayer y hoy, Roma, Academia de España. 2016-2017.

Tiana (mencionado memorias p. 20), 2010.

ANGLADA, L., Memòries 1892-1984, edición de Rius Vernet, N. y Sanz Coll, T., Barcelona, Diputació de Barcelona, 2015.

CADENA, J. M., La Guerra Civil vista per Lola Anglada, Barcelona, Diputació de Barcelona, 1986.

CASTILLO, M., Lola Anglada o la creació del paradis propi, Barcelona, Meteora, 2000.

LOMBA SERRANO, Concha, Bajo el Eclipse. Pintoras en España, 1880-1939, Madrid, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, colección Biblioteca de Historia del Arte, 2019.

MORENO SANTABÁRBARA, F. y LARA GARCÍA, A., Veinte ilustradores españoles (1898-1936), Madrid, MCU, 2004.

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Tejero, Delhy

Tejero, Delhy (Adela Tejero Bedate)

Toro, Zamora, 1904 – Madrid, 1968

Artista de gran capacidad técnica y creativa, y de una especial sensibilidad, se dedicó a la pintura, la ilustración y el muralismo, obteniendo importantes reconocimientos en esos ámbitos que le sitúan entre las más notables creadoras de la primera mitad del siglo XX.

Tejero, Delhy

Adela Tejero, que preferirá firmar con el nombre de Delhy, nació en la localidad zamorana de Toro, siendo la mediana de tres hermanas. Su infancia, marcada por el prematuro fallecimiento de su madre, transcurrió en un ambiente tradicional y conservador.

En Toro recibió clases de dibujo en la Fundación González Allende, y en 1925 se trasladó a Madrid con el objetivo de aprender a pintar y satisfacer así su destino vital, pues la artista estaba convencida de que para eso había nacido. Los diarios que escribía, sus “cuadernines”, son una inagotable fuente para interpretar el pensar y el sentir de esta introspectiva creadora.

En la capital estudió en la Escuela de Artes y Oficios mientras preparaba su ingreso en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde se matriculó en 1926. Allí coincidió con otras artistas como Francis Bartolozzi y Remedios Varo, con quien trabaría amistad, también con Maruja Mallo. En aquellos años se instaló en la Residencia de Señoritas, lo que también le permitió entrar en contacto con otras personalidades vinculadas a las vanguardias, como Torres García o Benjamín Palencia.

En 1924 publica su primera ilustración y empieza a colaborar en algunas publicaciones periódicas, aunque será en los años 30 cuando se consolide su trabajo como ilustradora en cabeceras importantes como Blanco y Negro, Crónica, La Esfera o Estampa. Sus magníficas creaciones gráficas bebían del imperante estilo art déco, de entre todas ellas podemos destacar su serie de ilustraciones para Blanco y Negro, titulada Estampas populares, donde reinterpreta los tipos populares.

Estos primeros trabajos, así como la decoración puntual de algún establecimiento comercial, le posibilitaban cierta independencia económica cuando todavía cursaba estudios en San Fernando, una autonomía que deseaba y que obtuvo durante los tres años en que ejerció como profesora en la Escuela de Artes y Oficios. Allí ocupó en 1931 la cátedra de Procedimientos de Pintura Mural. Ese mismo año había viajado a Bruselas y París para formarse precisamente en este campo, ámbito que interesó a Delhy y que le llevaría a ampliar su formación en Italia ya avanzada la década de los 30, para después emprender una amplia producción de obras murales, especialmente abundantes en la primera mitad de los años 40.

En 1933 tuvo lugar la primera exposición individual de Delhy Tejero, en el Círculo de Bellas Artes. En esos años concurrió además a todas las ediciones de las Exposiciones Nacionales desde 1930 hasta su interrupción por la guerra, en las que fue cosechando méritos. Pero fue su participación en la Exposición Concurso Nacional de Pintura sobre Trajes Regionales de 1934 la que le reportó gran reconocimiento, hasta el punto de que se le dedicó una plaza en su Toro natal.

Cuando ya había estallado la Guerra Civil, Delhy obtuvo un salvoconducto para ir a estudiar a Italia. Antes y después pasó por París, donde entró en contacto y expuso con el grupo surrealista por medio, seguramente, de su amiga Remedios Varo, que estaba allí desde 1937. Parte de esa poética surreal, unida a la tendencia hacia lo fantástico de la propia Delhy, que hacía años había imaginado unas curiosas figurillas ‒sus “duendinas” o musas‒ e inventaba cuentos e historias ilustradas de autoría propia, se dejó sentir en su producción de entonces.

Lamentablemente, casi toda esa obra fue destruida por ella misma a su regreso a España una vez terminada la guerra, en uno de los momentos de crisis interna y rechazo que experimentaba consigo misma y hacia su obra, que detestaba y consideraba impura. Instalada nuevamente en Madrid, se adentró en una fase solitaria de profunda espiritualidad avivada por la muerte de su padre en 1943. Se volcó entonces en la pintura mural, mientras su producción acusó un aletargamiento de los rasgos formales más innovadores. Y siguió participando en contadas exposiciones nacionales, incluso mostró sus dibujos y pinturas en dos exposiciones individuales en los años 1946 y 1947, con las que obtuvo éxito del público y la crítica, simpatizante de una plástica más conservadora.

Durante los años que siguieron, Delhy prosiguió su personal andadura artística, incorporando prácticas más experimentales. Aunque no abandonó nunca la vía figurativa, a finales de los 40 la artista toresana fue transitando el camino de la depuración formal, lo que le llevaría a soluciones cercanas a la abstracción. Sus experimentaciones pudieron verse en una nueva individual en 1951, aunque no fueron bien recibidas. Sus vaivenes estilísticos, entre una pintura más tradicional ‒la que presentaba a los concursos nacionales‒ y otra más moderna, abstracta y de nuevo surrealizante, eran interpretados como indecisiones que denotaban duda e inseguridad.

Pero el panorama artístico español comenzaba a abrirse puntualmente a ciertas manifestaciones artísticas con aire renovador, y Delhy insistió en la vía experimental llegando a concebir su propio lenguaje de arte nuevo al que llamó “perlismo”, consistente en incorporar polvo mineral a sus cuadros, dotándoles de una especial textura. Un decidido paso hacia la abstracción informalista que por aquella época practicaba Tàpies.

En los últimos años de su vida, tras sufrir un infarto, se sumió más profundamente en lo que ella misma denominaba “solitarismo”, pero siguió firmando composiciones murales, concibiendo cuentos y retomó la actividad como ilustradora hasta su muerte en 1968 provocada por una angina de pecho.

Al final del camino, tras las dudas y el sufrimiento que le había producido un día su propia obra, Delhy se reconocía feliz con su arte: siendo fiel a sí misma en cada momento, ella se convertía en una artista libre.

MAE, Inés Escudero, abril 2021.

En el circo, 1934

Catálogo de la Exposición Nacional de 1934, sec. Pintura y Arte decorativo, cat. 14, p. 92.

Exposición colectiva, Madrid, Embajada de Cuba. 1926.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Palacio del Retiro. 1930.

XIII Salón de Humoristas, Madrid, Círculo de Bellas Artes. 1930.

Exposición en Bruselas, École Supérieure Logelain. 1931.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Palacio del Retiro. 1932.

Exposición individual, Madrid, Círculo de Bellas Artes. 1933.

XVI Salón de Humoristas, Madrid. 1933.

Exposición Concurso Nacional de Pintura sobre Trajes Regionales, Madrid.1934.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Palacio del Retiro. 1934.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Palacio del Retiro. 1936.

Le rêve dans l’art et la littérature. De l’Antiquité au Surréalisme, París, Galerie Contemporaine. 1939.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Palacio del Retiro. 1943.

Una escultora y dos pintoras, Madrid, Galería Estilo. 1946.

Exposición colectiva, Madrid, Instituto Británico. 1946.

Exposición individual, Madrid, Museo de Arte Moderno. 1947.

Arte Español Contemporáneo, Buenos Aires, Museo de Bellas Artes. 1947.

La acuarela en la joven pintura española, Madrid, Galería Buchholz. 1947.

I Exposición Nacional de Artes Decorativas, Madrid, Palacio del Retiro. 1947.

Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Palacio del Retiro. 1948.

Exposición individual, Madrid, Instituto Internacional Boston. 1951.

I Bienal Hispanoamericana de Arte, Madrid, Palacio del Retiro. 1951.

Exposición Internacional de Arte Abstracto, Santander, Museo Municipal y Palacio de la Magdalena; Madrid, Museo de Arte Contemporáneo. 1953.

Pinturas sobre temas de tren, Madrid, Sala Turner. 1953.

II Bienal Hispanoamericana de Arte, La Habana. 1954.

III Bienal Hispanoamericana de Arte, Barcelona. 1955.

Exposición individual, Madrid, Sala de la Dirección General de Bellas Artes. 1955.

Picasso et l’Art Contemporain Hispano-Americain, Ginebra, Museo de Arte e Historia. 1956.

Exposición individual, Salamanca, Escuela de Bellas Artes de San Eloy. 1959.

Exposición individual, Valladolid, Caja de Ahorros de Salamanca. 1959.

Delhy Tejero, 1904-1968. Ciento once dibujos, Madrid, Museo Municipal de Arte Contemporáneo. 2005.

Delhy Tejero. Representación, León, Edificio Botines Caja España; Salamanca, Sala de Exposiciones de Santo Domingo de la Cruz; Zamora, Centro Cultural Caja España; Segovia, Sala de Exposiciones de La Alhóndiga; Ávila, Palacio del Episcopio; Valladolid, Sala Municipal de Exposiciones Teatro Calderón; Burgos, Arco de Santa María; Palencia, Salas de Exposiciones Caja España. 2009.

ALAMINOS, E., Delhy Tejero, 1904-1968. Ciento once dibujos, Madrid, Ayuntamiento de Madrid y Museo Municipal de Arte Contemporáneo, 2005.

LOMBA SERRANO, Concha, Bajo el Eclipse. Pintoras en España, 1880-1939, Madrid, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, colección Biblioteca de Historia del Arte, 2019.

MARTÍN-MEDINA, J., Delhy Tejero. Representación, Valladolid, Caja España y Junta de Castilla y León, 2009.

VILA TEJERO, M. D., y SÁNCHEZ SANTIAGO, T. (eds.), Delhy Tejero. Los cuadernines (Diarios 1936-1968), Zamora, Diputación de Zamora, 2004.

www.delhytejero.com

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Rubio, Juana Francisca

Madrid, 1911-2008

Pintora y cartelista española, durante la Guerra Civil española destacó como cartelista, por lo que tuvo que exiliarse a México.

Campamento de unión de muchachas, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Rubio, Juana Francisca

Juana Francisca Rubio nació en Madrid el 27 de diciembre de 1911. Se interesó por la ilustración gracias al trabajo de los cartelistas Federico Ribas, Rafael Penagos y Méndez Bringa. Se casó con el también ilustrador José Bardasano, con quien colaboraría profesionalmente en diversas ocasiones. Aunque ninguno de los dos era cartelista, ambos pusieron sus habilidades al servicio de la causa republicana durante la Guerra Civil. En la primavera de 1937, conjuntamente con otros artistas, organizaron “La Gallofa”, un taller de propaganda que se fue reubicando de ciudad durante la contienda al mismo tiempo que lo hacía el gobierno republicano. En el contexto de “La Gallofa”, Juana Francisca Rubio realizó hasta media decena de carteles por encargo, especialmente procedentes de las Juventudes Socialistas Unificadas, además de colaborar con ilustraciones en el diario ABC. En noviembre de 1936, ilustró una portada de dicho diario con la consigna “¡Mujeres! ¡En pie!”. Rubio y Bardasano crearon conjuntamente el cartel de la Conferencia de las Muchachas de Madrid, las cuales se celebraron en el Ateneo de Madrid el 8 y el 9 de mayo de 1937 con el fin de animar a las jóvenes madrileñas a incorporarse al mundo laboral y ofrecerles una educación.

Tras los bombardeos de Madrid, la pareja se trasladó a València, donde estaba ya instaurado el gobierno republicano. Allí imprimió los carteles que realizó para el del campamento deportivo de la Unión de Muchachas: Campamento de Unión de Muchachas y Unión de Muchachas. Campamento Deportivo, ambos de ese mismo año 1937. También diseñó carteles en solitario para las Juventudes Socialistas Unificadas, como ¡Compañeras! Ocupad los puestos de los que se van a empuñar un fusil (1937). Las mujeres de los carteles de Rubio subvierten el modelo de feminidad decimonónico del ángel del hogar y se muestran poderosas y fuertes. Sus cuerpos plasman una agencia que se ve reflejada en actividades como lanzar una jabalina, subir una montaña o llevar pantalones.

En 1938, el matrimonio se trasladó a Barcelona —siguiendo al gobierno republicano—, donde elaboraron conjuntamente los carteles Nuestros brazos serán los vuestros y Tota la joventut per la campanya d’hivern: 10-25 novembre. Antes de que finalizara la contienda, tomó con su hija María Francisca Bardasano Rubio un tren hacia Francia. El tren fue bombardeado y tuvieron que huir a pie. Finalmente, consiguieron partir, reunidas con José Bardasano —quien había sido apresado y llevado a un campo de concentración—, hacia México. Allí, Juana Francisca Rubio, viviría un largo exilio, tendría a su segundo hijo y continuaría su labor como cartelista, aunque se dedicó también a la ilustración de cuentos infantiles y al diseño de moda, envoltorios de productos de estética y tarjetas postales. Regresó a España en 1961, donde permaneció hasta su fallecimiento en 2008. En 1964 se le otorgó la Cruz al Mérito de Sciences et Letres de Francia.

MAE, Clara Solbes Borja, actualizada 2024. DOI: 10.26754/mae1803_1945

Lyceum Club Femenino, Madrid, 1935

Escudero Gruber, Inés, «Ellas también luchan, ellas también crean: las artistas en la guerra civil», en Concha Lomba y Rafael Gil (ed.), Hacia poéticas de género. Mujeres artistas en España, 1804-1939, Zaragoza, Gobierno de Aragón-Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, 2022, pp. 336-353.

Fabo Del Caso, María Pilar. Juana Francisca Rubio (1911 – 2008): compromiso político y obra artística durante la Guerra Civil española [Tesis Doctoral, dirigida por Almazán Tomás, Vicente David, y Perla De Las Parras, Antonio], Universidad de Zaragoza, 2023.

Gaitán Salinas, Carmen. Las artistas del exilio republicano español. El refugio latinoamericano. Madrid, Cátedra, 2019.

Guasch Marí, Yolanda. Mujeres artistas en México. Las generaciones del exilio español. Madrid, Trea, 2021.

Lomba Serrano, Concha, Bajo el Eclipse. Pintoras en España, 1880-1939, Madrid, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, colección Biblioteca de Historia del Arte, 2019.

Tejeda, Isabel y Folch, María Jesús. A contratiempo. Medio siglo de artistas valencianas (1929-1980). Valencia, IVAM, 2018.

Peña Bardasano, Carolina. Bardasano en guerra, Madrid, Ministerio de Cultura, 2011.

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Madame Gironella

Francia, h. 1860 – doc. 1903

Madame Gironella desarrolló una prolífica producción como ilustradora para las principales revistas culturales españolas de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, como La Ilustración Española y Americana, Arte y Letras, Nuevo Mundo o Blanco y Negro, siendo, en numerosas ocasiones, la única ilustradora entre sus colegas varones.

Conflicto ante la ley, 1901, reproducido en La Ilustración Española y Americana, 15-10-1901, p. 224.

Madame Gironella

Se desconoce el nombre de esta ilustradora de origen francés, que firmaba sus obras, como era habitual en el ámbito galo, con el apellido de su marido, Gironella.

Nacida en Francia, en el seno de una familia de la nobleza, accedió a una formación humanista, en Literatura y Arte, en la Universidad de la Sorbona de París, así como a enseñanzas artísticas en el estudio del pintor galo Carolus-Duran. Sin embargo, su familia prefirió que no se dedicara a la producción artística. En 1893 se encontraba residiendo en España, en la capital española, donde desarrolló su trayectoria tras haber enviudado y teniendo una hija pequeña (Dibujantas, 2019).

En dicho año de 1893 creó un estudio propio en Madrid, en el que impartía clases de pintura para mujeres, como reza la publicidad que hizo difundir en la prensa española: “Profesora de pintura y dibujo. Mme. Gironella es una especialidad que recomendamos a las señoras que quieran dar a sus niñas este ramo de educación. Artista de gran talento es esta señora, y cuenta ye en la sociedad con varias discípulas muy distinguidas. Las señas en esta redacción” (El cardo, 22-2-1899, p. 23). También impartía clases de francés para las jóvenes que, igualmente, anunciaba en los periódicos madrileños: “Madame Gironella. Pour apprendre le français parisien en peu de temps. Cours donné par une parisenne, dépuis 5 heures de l’aprés-midi, flusieurs fois par semaine, 10 pesetas. Une seule fois, 5 pesetas. S’adresser, Lagasca,99, depuis 5 heures” (La Época, 17-11-1899, p. 4).

En 1899 Madame Gironella participó en la escena artística española concurriendo a diversas exposiciones y, sobre todo, como ilustradora en revistas de amplia difusión, entre las cuales, se encontraban La Ilustración Española y Americana, Arte y Letras, Nuevo Mundo o Blanco y Negro. Madame Gironella fue, en numerosas ocasiones, la única ilustradora entre sus colegas varones de La Ilustración Española y Americana, como se señalaba con ocasión de la edición de El Almanaque (La Época, 9-12-1900, p. 3), contribuyendo a visibilizar a las mujeres en un ámbito tan masculinizado como la ilustración.

Madame Gironella especializó su producción en ilustraciones en las que muestra a mujeres cosmopolitas y modernas, en situaciones distendidas y con un marcado sentido del humor. También fueron protagonistas de sus obras las niñas y niños representados en episodios en los que emulaban a los adultos.

La crítica coetánea valoró especialmente el ágil y firme sentido del dibujo de la aritsta “De Mme Gironella es la composición que se titula La cuenta de la modista. El lápiz de la distinguida artista ha interpretado, con la elegancia que le es propia, la graciosa escena de la esposa que, con la cuenta de la modista preparada, dispone con exquisito mimo el ánimo de su marido a recibir favorablemente la noticia de la consabida cuenta que va a presentar su cara mitad” (“Nuestros grabados”, La Ilustración Española y Americana, 8-1-1900, pp. 3, 17).

MAE, Magdalena Illán Martín, julio 2021

Duda ante la carta.

Temple y óleo sobre papel.

42 x 32 cm.

Dibujo para La Ilustración Española y Americana.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Recadista en bicicleta.

1900.

Lápiz sobre papel.

44 x 30 cm.

Dibujo para La Ilustración Española y Americana.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Allí va.

Dibujo reproducido en La Ilustración Española y Americana, 28-2-1900, p. 121.

Medidas exactas.

Dibujo para Blanco y Negro.

Museo ABC.

Baile infantil.

Lápiz y tinta sobre papel.

38 x 51 cm.

Dibujo para La Ilustración Española y Americana.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

¡Cuidadito!

Reproducido en Arte y Letras, 13-1-1901, p. 17.

Jugando a los médicos.

Lápiz y tinta sobre cartulina.

48 x 31 cm.

Dibujo para La Ilustración Española y Americana.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

La visita.

Lápiz y tinta sobre papel.

43 x 28 cm.

Dibujo para La Ilustración Española y Americana.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

El té familiar.

1903.

Lápiz sobre papel.

45 x 32 cm.

Dibujo para La Ilustración Española y Americana.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Curiosa.

s.f.

Grafito sobre cartulina.

46x 32 cm.

Dibujo para La Ilustración Española y Americana.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Salón de La Correspondencia de España. 1899.

AA.VV., Dibujantas. Pioneras de la ilustración, catálogo de la exposición. Museo ABC, 2019.

http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/inventario-de-la-coleccion-de-dibujos-originales-para-la-ilustracion-espanola-y-americana-de-la-real-academia-de-bellas-artes-de-san-fernando–0/html/0140ffb2-82b2-11df-acc7-002185ce6064_6.html

El cardo, 22-2-1899, p. 23.

La Época, 17-11-1899, p. 4.

La Época, 9-12-1900, p. 3

La Ilustración Española y Americana, 15-10-1901, p. 224.

“Nuestros grabados”, La Ilustración Española y Americana, 8-1-1900, pp. 3, 17.

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Gascón Pérez, Elvira

Almenar (Soria), 1911 – Ciudad de México, 2000

Elvira Gascón destaca por su amplia producción pictórica e ilustradora, además de esmaltes y murales, entre otras técnicas. Formada en España, consolidó su carrera en México a donde llegó en su condición de exiliada. Durante la Guerra Civil formó parte de la Junta de Incautación, Protección y Salvamento del Tesoro Artístico.

Yo, hace veinte años. Colección familia Elvira Gascón.

Gascón Pérez, Elvira

Elvira Gascón nació en Almenar de Soria (Soria) en 1911, en el seno de una familia modesta. Su padre, Pedro Gascón, era mecánico de profesión, y su madre, Vicenta Pérez, se encargaba de las tareas de la casa.

Muy pronto manifestó interés por el dibujo y la pintura, así como su amor a los animales. Su infancia transcurrió en Málaga donde cursó los estudios de bachiller.

Obtuvo el título de maestra de primera enseñanza en la Escuela Normal de Magisterio de Guadalajara y poco después el de profesora de Dibujo en la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid. En mayo de 1935 fue nombrada encargada de la enseñanza de Perspectiva en la Escuela de Artes y Oficios de la capital, mientras completaba sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. A finales de 1936, fue trasladada por necesidades educativas al Instituto Lope de Vega de Madrid.

Elvira Gascón pertenece a ese grupo de mujeres pioneras que, desde finales del siglo XIX, fueron ingresando en las diferentes instituciones educativas.

Tras el estallido de la guerra civil, ingresa como voluntaria a la Junta de Incautación, Protección y Salvamento del Tesoro Artístico, organismo creado para preservar el Patrimonio Cultural Español. Elvira hizo una labor ejemplar como auxiliar-técnico, inventariando y catalogando objetos artísticos. Ahí conoció a su futuro marido, Roberto Fernández Balbuena, arquitecto y pintor, presidente de la mencionada junta.

Una vez finalizada la guerra, se exilió en la ciudad de México, donde contrajo matrimonio y fijó su lugar definitivo de residencia. Comenzó su vida profesional ilustrando libros para el Fondo de Cultura Económica; la Revista Mexicana de Cultura y las editoriales ERA y Joaquín Mortiz.

Entre 1946 y 1956 colaboró con los periódicos El Nacional, Excélsior y Novedades, destacando por su personal estilo, calificado de “helenismo piccasiano”.

Al poco tiempo de su llegada a México ya era una reconocida ilustradora preferida por escritores muy prestigiados. La crítica calificó su trabajo como “maravillosos poemas gráficos”. Pintó murales y obras de caballete al óleo, hizo esmaltes, grabados, carteles, folletos, programas de mano, e ilustró artículos en periódicos y más de 210 libros de reconocidos escritores como Alfonso Reyes, Ruben Bonifaz Nuño, Alaide Foppa, por mencionar algunos.

Su actividad como retratista fue siempre muy celebrada, realizó cientos de retratos de los intelectuales, escritores, filósofos, músicos y humanistas más importantes de su época y del exilio como Ramón del Valle Inclán, Benito Pérez Galdós, León Felipe y muchos más. Produjo también numerosos frescos, temples y concretos realizados con técnicas experimentales de fresco a la española. La influencia de la tradición muralista mexicana se dejó sentir en sus propios murales repartidos por iglesias y hospitales de México para los que inventó la técnica del “concreto teñido”.

Ávida lectora, organizaba, en compañía de su esposo, tertulias literarias en las que se daban cita los creadores más notables del momento, Juan José Arreola, Juan Rulfo, Aleíde Foppa, Carlos Pellicer, entre otros muchos.

Entre los años 50 y 60, participó en 25 exposiciones individuales y 45 colectivas.

En el 2011 el Ateneo español de México, organizó la exposición “Pequeños retratos/grandes personajes”, para ello reunió los retratos de artistas españoles creados con diferentes técnicas de dibujo, como la línea, la tinta sobre papel, la aguada y el esgrafiado. Obra que fue donada por su hija, Guadalupe Fernández Gascón, al Ateneo Español.

La particularidad de Elvira será que, aunque se forma en España, realiza toda su obra en suelo mexicano.

En palabras de Margarita Nelken:

“…Elvira Gascón nos llegó de su España nativa, cuando el magno éxodo de la cultura española. Y fue aquí, y por cuanto de aquí se le entró de inmediato por los ojos, y muy reflexionadamente en el corazón, en donde realmente se alcanzó a sí misma.”

En sus trabajos se hicieron evidentes sus dotes como dibujante. La síntesis de la línea terminó por establecer una diferencia con sus contemporáneos y, al mismo tiempo, provocó la admiración de poetas y escritores. La constante utilización de desnudos y la presencia de temas griegos, hicieron que se le diera la connotación de helenista. La importancia que Elvira Gascón concedió al dibujo y el estilo propio que le imprimió resultaron fundamentales para emprender otras actividades artísticas como la pintura de caballete, el esmalte y el muralismo, dejando trabajos representativos en cada una de éstas. El trabajo de Elvira llamó constantemente la atención de los críticos de arte que hicieron referencia a las diversas técnicas que practicó, por la elegancia y fuerza que imprimía a cada uno de sus trazos. Con ello, marcó un estilo propio que le aseguró un lugar en el arte mexicano, enriquecido por su espíritu español.

Su archivo personal y todos los libros ilustrados por ella fueron donados por su hija Guadalupe al Colegio de México.

Llama la atención que desde 1938 que arriba a México y hasta su muerte en el 2000, fue considerada como una artista española a pesar de que su trabajo fue poco o nada conocido en España.

Murió en la Ciudad de México el 10 de febrero de 2000.

MAE, Guadalupe Fernández Gascón, hija de Elvira Gascón, e Inmaculada Real López, agosto 2021

1940. Exposición de Artistas Españoles en la Casa de la Cultura Española de México.

1948. Exposición Colectiva en la Galería La Diana, compartiendo con Leonora Carrington, Remedios Varo, Cordelia Urrueta entre otras.

1952. Primera Exposición Conjunta de Artistas Mexicanos y Españoles Residentes en México.

1954. Participa en el Salón de Artistas Huéspedes de la Plástica Mexicana.

1955. Exposición individual en la Galería El Cuchitril.

1955. Exposición colectiva Valores Femeninos de México, en la Galería el Eco.

1955. Exposición Colectiva en la Galería Proteo.

1956. Exposición colectiva de Pintura y Esculturas de Artistas Españoles residentes en México en la Sala de la Amistad Internacional del Palacio de Bellas Artes.

1956. Exposición colectiva de Artistas Españoles patrocinada por la Embajada Española en la Galería Artistas Mexicanos Unidos.

1958. Primer Salón de la Plástica Mexicana en las Galerías Excélsior.

1958. Exposición Colectiva Bazar 58 en la Galería de Artes Visuales.

1959. Presente Artístico de México para Israel, que reunió la crítica de Arte Margarita Nelken.

1960. Primer Festival Mexicano de Artes Plásticas celebrado paralelamente a la Segunda Bienal Interamericana de Pintura y Grabado en México.

1960. Exposición Individual en las Galerías Excélsior.

1960. Exposición colectiva en la Galería Romano.

1960. Exposición Individual con temas helénicos en la Galería Tusó.

1961. Exposición individual de 15 frescos, temples y concreto teñido en el Instituto Francés de América Latina.

1961. Exposición colectiva en el Ateneo Español por reunir fondos para la lucha por la Libertad del Pueblo Español.

1962. Exposición individual en la Casa del Lago de la UNAM.

1965. Exposición colectiva en la Galería Pecanins.

1968. Exposición colectiva en la Galería Edward Munch.

1970. Exposición individual en la Galería de Arte Mexicano titulada El cantar de Cantares.

1970. Exposición individual en la Galería de Inés Amor

1971. Exposición individual en la Galería Arvil (dibujos que sirvieron para ilustrar la obra Elogio de mi cuerpo de Alaide Foppa).

1971. Exposición individual en la Woodstock Gallery en Londres, Inglaterra.

1971. Exposición colectiva en la Galería 249 Paul Klee.

1972. Exposición individual Caballos de Circo en la Subdirección de Acción Cultural del ISSSTE Exposición individual en el Centro Libanés.

1973. Exposición Elvira y 13 Discípulos en la Sala Rosa María anexa a la Biblioteca Lombardo Toledano.

1974. Exposición individual en Arte y Libros S.A. En Monterrey, Nuevo León.

1974. Exposición colectiva en la Galería Kin de San Ángel.

1975. Exposición colectiva en el Poliforum Cultural Siqueiros con motivo del Año Internacional de la Mujer.

1975. Exposición colectiva La Mujer en la Plástica, patrocinada por el Instituto Nacional de Bellas Artes.

1975. Exposición individual en la Galería Municipal Torres Bodet, Guadalajara, Jalisco.

1975. Exposición colectiva de Pintores y Escultores Republicanos Españoles en México en la Galería Mercedes y Jordi Gironella.

1975. Exposición colectiva de Navidad en la Galería Kin de San Ángel.

1976. Exposición individual de Artes y Libros S.A. En Monterrey, Nuevo León.

1976. Exposición individual en la Galería Mercedes y Jordi Gironella.

1976. Exposición individual en la Casa de la Cultura en Monterrey, Nuevo León.

1976. Exposición colectiva en el Ateneo Español para reunir fondos para el Movimiento Solidaridad con el Pueblo Español.

1977. Exposición individual, Primer Festival Alfonsino, Mitos Clásicos.

1977. Exposición individual en las Salas 4 y 5 del Palacio de Bellas Artes.

1977. Exposición colectiva La Muerte en el Arte en el Centro Universitario de Cultura (CUC).

1977. Exposición individual en la Casa de la Cultura en Monterrey, Nuevo León.

1977. Exposición colectiva de obras donadas al Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende en el Museo de Arte Moderno.

1977. Exposición colectiva en el Museo de Álvaro y Carmen T. De Carrillo Gil.

1977. Exposición colectiva a los Pintores que, venidos de otras latitudes, se arraigaron en México. Museo de Arte Moderno Bosque de Chapultepec. INBA.

1977. Exposición individual en el Museo de Centro Cívico Constitución, en Culiacán, Sinaloa.

1977. Exposición individual en el Kiosko del Arte en Hermosillo, Sonora.

1977. Exposición colectiva en el Centro Universitario de Cultura (CUC) titulada Y pintarán su calavera, día de muertos.

1977. Exposición individual en la Galería de Arte Chimalistac.

1977. Exposición colectiva en la Casa de la Cultura de la Delegación Benito Juárez, con motivo del Aniversario del natalicio de Sor Juana Inés de la Cruz.

1977. Exposición individual en Monterrey, Nuevo León titulada Trashumante.

1978. Exposición individual en Arte y Libros S.A. En Monterrey, Nuevo León.

1978. Exposición individual en Mexicali, Tijuana y Ensenada, B.C. (Trashumante).

1978. Exposición colectiva titulada Iconografía Contemporánea sobre Sor Juana Inés de la Cruz, convocada por la Sociedad Cultural Sor Juana Inés de la Cruz y Fomento Cultural S.C.

1978. Exposición individual en al Ateneo Español de México con motivo del treinta aniversario de su fundación.

1978. Exposición colectiva en la Sala Alfonso Reyes del Colegio de México como homenaje a México por los cuarenta años de la Emigración Española.

1978. Exposición colectiva en el Museo San Carlos titulada La obra plástica y la obra impresa del Exilio Español.

1979. Exposición colectiva en la Galería El Cascabel.

1979. Exposición colectiva en la ciudad de Sofía, Bulgaria.

1979. Exposición individual en la Galería de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (S.H.C.P.).

1979. Exposición colectiva en la Sala de exposiciones de la Librería del Colegio de México.

1980. Exposición colectiva en la Galería Metropolitana, titulada Homenaje a Pablo Picasso, de la Dirección de Difusión Cultural de la Universidad Metropolitana.

1981. Exposición individual en la Universidad Autónoma del Estado de México, Toluca

1981. Participación en el VI resumen de la Plástica Nuevo Leonesa. Monterrey, Nuevo León

1981. Exposición colectiva titulada Muestra Gráfica Contemporánea de México 1972-1982 en el Palacio de Iturbide y Seguros América Banamex.

1981. Exposición colectiva en la Galería de la Ciudad de Mexicali, Baja California.

1982. Exposición colectiva titulada Cumbres y Montañas de Nuevo León, en el Museo Municipal de Historia El centenario.

1982. Exposición colectiva en la Universidad Femenina de México titulada La Mujer y la Plástica, con motivo del cuarenta aniversario de la Universidad.

1982. VII Resumen de la Plástica en Nuevo Leoensa en la Casa de Cultura de Nuevo León, Monterrey.

1982. Exposición colectiva llevada a cabo en Madrid España, titulada El Exilio Español en México.

1983. Exposición individual en el Colegio de Bachilleres.

1983. Exposición colectiva Mujeres artistas – Artistas mujeres, en el Museo de Bellas Artes de la ciudad de Toluca.

1988. Exposición Homenaje al Instituto Luis Vives, celebrada en el Convento del Carmen.

1988. Exposición 50 Aniversario del Exilio Español (1939-1989), celebrada en el Museo de San Carlos.

1989. Exposición Imágenes para los niños, celebrada en la Galería Citycorp/Citybank.

2000. Exposición colectiva Tiempos de Mujer, celebrada en la Sala de Exposiciones del Centro Médico Nacional Siglo XXI.

2001. Exposición individual Y me busco por dentro de Elvira Gascón, Instituto de Cultura de Morelos.

2001. En la que fuera su casa se organizó una exposición de dibujos, grabados, y óleos.

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Smith i María, Ana María

Smith i Marí, Ana María

Barcelona, h. 1880 – Irvington, 1954

Ana María Smith fue una pintora e ilustradora catalana que durante la primera década del siglo XX colaboró con diversas publicaciones para las que realizó ilustraciones y caricaturas de poética modernista que comparten con las de su hermano ese carácter decadentista, y se caracterizan por un estilo lineal e irónico.

Ana María Smith, Autorretrato, 1917. Museu d’Art de Cerdanyola.

Smith i Marí, Ana María

Ana María Smith i Marí nació en la década de 1880 en Barcelona, y fue la única hija del matrimonio formado por Victoriano Smith Vicens y Mónica Marí Smith, que tuvo cuatro hijos más (Pedro Juan, Ismael, Isaac y Francisco).

Compartió su pasión por la pintura y el dibujo con su hermano, el célebre Ismael Smith, y, aunque se movieron en los mismos ambientes socioculturales y sus trayectorias se desarrollaron de forma paralela, el hecho de ser mujer condicionó algunos aspectos de su carrera. Por ejemplo, su formación artística, que probablemente fue autodidacta.

Durante la primera década del siglo XX, la autora colaboró con diversas publicaciones periódicas catalanas, para las que realizó ilustraciones y caricaturas de poética modernista. Sus dibujos, en los que suele representar escenas cotidianas de la burguesía barcelonesa de la época, comparten con los de su hermano ese carácter decadentista, influencia de la obra del artista británico Aubrey Beardsley, y se caracterizan por un estilo lineal, irónico y fresco. Una de estas publicaciones es la revista Foyer, en la que Ismael y Ana María Smith fueron dos de los principales ilustradores, formando parte de un grupo de colaboradores gráficos entre los que participaron otras dos mujeres, Laura Albéniz y Ángela Cardona.

En el año 1919, la familia Smith se trasladó a Nueva York, donde la autora prácticamente abandonó su trayectoria artística para dedicarse al cuidado de su familia, de su madre y hermanos. Ana María Smith vivió durante décadas en Estados Unidos y falleció en 1954.

MAE, Blanca Torralba Gállego, agosto 2021

GARCÍA-HERRÁIZ, E., «Ismael Smith, dibujante», Ismael Smith: Cuaderno de París, Madrid, Fundación Cultural Mapfre, 2001.

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RÀFOLS, J. F., Diccionario de artistas contemporáneos de Cataluña, Valencia y Baleares: pintura, dibujo, escultura, grabado, ilustración, 4. vol., Barcelona, Edicions catalanes S.A y La Gran Enciclopedia Vasca Barcelona-Bilbao, 1980.

Foyer, nº 1, 12-X-1910.

Foyer, nº 2, 19-X-1910.

Foyer, nº 3, 26-X-1910.

Foyer, nº 4, 02-XI-1910.

Foyer, nº 5, 09-XI-1910.

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